Osoby a obsazení: otec Ubu ( Erwin Steinhauer), matka Ubu (Brigitte Svoboda), kapitán Vobruba /Jaucherl/ (Toni Böhm), posel / Fjodorovič / Renski (Peter Faerber), král Václav /Wenzelaus/ Schatten (Fritz Muliar),
Gfrastislaus (Rupert Henning), královna Rosanudel (Silvia Lukan), Bodeslaus / Gierigel (Olivier Lendl), Ladislaus / Bäucherl (Wolf Bachofner), notář (Helmut Schleser), car Alexis (Edd Stavjanik), Schläucherl (Holger Christian Gotha), generál Laszy (Albert Rolant), frontový zpravodaj / medvěd (Heinz Hostnig), stráž 1 / kozák (Bernd Spitzer), stráž 2 (August Schmölzer), stráž 3 / Rus (Alfred Reiterer).

Natočeno v koprodukci BR/NDR/ORF v roce 1990 (103 min.)

Ceny a vyznamenání: Hörspiel des Monats 09/1990.

Pozn.: Natočeno ve vídeňském dialektu!!

Pozn. 2: Vater Ubu möchte auf Drängen seiner Frau das verloren gegangene Königreich in Polen zurückgewinnen. Bei einer friedlichen Einladung bei dem neuen Herrscher greift er aus dem Hinterhalt an und kann die Macht wieder an sich reißen. Doch seine Regierung zehrt die Bevölkerung aus, keiner kann mehr die Unmengen an Steuern zahlen. Der vertriebene König kehrt zurück, Familie Ubu muss wieder fliehen. Sie hat ein zweites Mal in ihrer Gier die Chance verspielt, ein blühendes Königreich leiten zu können.
Mit ‘König Ubu’ schuf Alfred Jarry, ein Vorläufer der Dadaisten und Surrealisten, 1896 eine mythische Gestalt in einer Welt grotesker, archetypischer Bilder. Der Skandalerfolg des Werks beruhte vor allem darauf, dass auf die traditionelle Handlungsführung verzichtet und eine obszöne Sprache mit absurden Elementen vermischt wurde. Ubu wurde zum Inbegriff des bornierten, opportunistischen Spießers. Mit beißender Ironie geißelt Jarry die Scheinmoral und stellt jede Art politischer und sozialer Macht in Frage. Der von niedrigsten Instinkten und höchster Machtgier besessene Bürger mutiert zum Bürgerschreck, als sich seine Gemeinheit gegen das einfache Volk richtet.
Das alle Bühnenkonventionen sprengende Stück strotzt vor literarischen Anspielungen und Parodien – vor allem auf Shakespeare-Figuren. Kein Wunder, dass es den österreichischen Schriftsteller H. C. Artmann reizte, das fast 100 Jahre alte, aber nach wie vor moderne Werk in eine neue deutsche bzw. „Wiener“ Fassung zu übertragen.

Expertenkommentar:
„H. C. Artmann ist der einzigartige Fall eines konservativen Avantgardisten, eines rückwärts gewandten Utopikers, eines Zeitlosen. Und wenn man dann dachte, man wisse, was er kann, dann fertigte er – grad vor einigen Jahren noch – eine so grandiose Übersetzung von Alfred Jarrys ‘PŠre Ubu’ an, dass damit sowohl der französischen wie auch der Wiener Literatur gedient ist, denn er übertrug Vater Ubu so in den Wienerischen Dialekt, dass nie mehr eine hochdeutsche Übersetzung daneben sich wird halten können.“
„Im Wiener Dialekt ertönt das Stück schnarrend vital, erklingt auch nicht einfach als goutierbare Exotik, sondern jetzt kommt die blutig-gemütliche Vulgarität des Textes und die monströse Grobheit des französischen Stilgestus überhaupt erst richtig heraus“ (Jörg Drews).

Účinkují Johan Rabaeus, Natalie Minnevik, Cilla Thorell, Douglas Johansson, Rachel Mohlin, Bengt CW Carlsson, Anna Wallander och Jimmy Endeley.

Nastudoval Švedský rozhlas (Svensk radioteater) v roce 2009. Premiéra 9. 12. 2009 (Sveriges Radio, 65 min.).

O románu hovoří Aris Fioretos a syn Vladimir Nabokova Dmitri (3 min.).

Pozn.: Radioteaterns uppsättning av Lolita tar avstamp i rättegangen mot Humbert Humbert. Med sig har han sin dagbok som vittne till det liv som lett fram till platsen pa den anklagades bänk där han nu star, misstänkt för mord. Det handlar om den medelalders Humbert Humbert otillatna och ödesdigra besatthet av den 12-ariga Dolores Haze: Lolita. Lolita av Vladimir Nabokov är författarens mest kända roman och största publika framgang. Den franske förläggaren Maurice Girodias sag det som sin plikt att ge ut boken 1958 – det gick inte i USA.

Účinkují Gunnar Björnstrand, Annika Tretow, Erland Josephson, Doris Svedlund, Henrik Schildt, Birger Malmsten a Sven-Eric Gamble.

Natočeno 1959. Premiéra 28. 5. 1959 (61 min.).

Pozn.: Kallocain je antiutopistický román švédské autorky Karin Boyeové z roku 1940. Dočkal se také českého překladu a opakovaných vydání. Román je psán jako vyprávění v první osobě postavy Lea Kalla, který se podílel na vynalezení drogy pravdy. Nyní je v zajetí Univerzálního státu. Svět ve vzdálené budoucnosti, ve kterém se příběh odehrává je ovládán dvěma totalitními mocnostmi Světového státu a Univerzálního státu. Každý krok je hlídán policejními kamerami a cenzurou. Ovládán propagandou a plánováním života jednotlivců. V případě, že někdo řekne něco, co se úřadům nelíbí, je přinucen k veřejné omluvě. Navzdory všeobecnému strachu, lidé jaksi samozřejmě předpokládají, že zájmy státu jsou postavené nad zájem jednotlivce. Soukromí člověka neexistuje. Jediné soukromí je jeho nitro. A právě díky objevení této drogy by lidé měli přijít i o toto.

Kniha byla napsána v době kdy Hitler již ovládal polovinu západní Evropy. Jedná se možná o autorčin pohled na budoucnost světa, která krátce po dokončení románu skončila život sebevraždou, zobrazuje i její hlubokou depresi.

Det här är en relativt bortglömd litterär pärla, mera aktuell än nagonsin.
Med sin uppfinning kallocain har kemisten Leo Kall försett Världsstaten med ett medel för total kontroll. Men när hans sanningsdrog öppnar vägen in till medborgarnas själar visar sig de flesta hysa vilda och heta drömmar om uppror och om Ökenstaden – en hemvist för frihet, kärlek och förtroende. Och Leo Kall börjar tvivla pa Statens förträfflighet och ifragasätta sin roll som lojal medsoldat.

Karin Boyes roman är en kuslig vision av ett polisstyrt och militariserat samhälle. Paminner i stora delar av Orwells mästerverk, 1984, även om Boye kom ut med detta alster redan 1940 och Orwell 1949. Romanen gestaltar ocksa en tro pa människa förmaga att skapa en annan, levande värld.

Osoby a obsazení: Hamlet (Terje Stromdahl), Anden (Rolf Soder), Barnardo (Trond Branne), Francisco (Ivar Norve), Marcellus (Jon Eivind Gullord), Horatio (Ingar Helge Gimle), Claudius (Erik Hivju), Laertes (Johannes Joner), Polonius (Sverre Bentzen), královna (Lise Fjeldstad), Ofélie (Annika With), Rosenkrantz (Oivin Berven), Guildenstern (Per Gorvell), první herec (Petter Nass), divadelní královna (Stine Kielland Mordre), kapitán (Reidar Sorensen), Hoffmann (Jon Eivind Gullord), rytec (Per Jansen), pomocník (Torfinn Nag), kněz (Sigve Boe), Osric (Anders Hatlo).

Nastudoval NRK v roce 1988. (celkem 141 min.).

Pozn.: Hevnens dilemma – Du studerer. Sa far du vite at faren din er dod. Du reiser hjem. Etter hvert far du mistanke: Faren din ble myrdet. Mannen som myrdet ham, er na i all hast blitt gift med din mor. Alt i deg skriker pa hevn. Men det er ikke bare-bare a anklage din nye stefar. Han har makt, enorm makt. Fatter han mistanke til at du mistenker ham, kan han fa deg drept.

Hva gjor du? – Dette er Hamlets dilemma. Den unge danske prinsen blir bratt revet ut av et trygt liv og hvirvlet inn i svarte hull av avmakt og raseri. Han drives sa langt at han star foran selvmordet. Og ma stille seg det storste av alle eksistensielle sporsmal: Skal jeg vare, eller skal jeg ikke vare?

Rikt og frodig

Den danske dikteren Poul Borum hadde gleden av a skrive «Hamlet» i ny sprakdrakt, beregnet pa et yngre publikum. For 20 ar siden grep Radioteatret tak i denne teksten og fikk unge og heftige kunstnere inn i studio for a hive seg inn i den.

Osoby a obsazení: Ade (Delphine Seyrig), Henry (Roger Blin), mistr (Jean Martin), Addie (Arielle Semenof).

Natočeno 1966. Premiéra 5. 5. 1966. (40 min.) Obnovená premiéra 25. 12. 2011 (RF France Culture) – Hommage à Vaclav Havel 2.

Pozn.: France Culture a souhaité rendre hommage à Vaclav Havel, en rappelant sa dimension d’écrivain et d’auteur dramatique. Dans cet esprit, nous rediffusons une de ses pièces les plus célèbres, aujourd’hui publiée chez Gallimard, « la pétition ». Cette pièce a été enregistrée et diffusée en 1980, dans une réalisation de Jean Pierre Colas, grand réalisateur, lui aussi disparu.

Avant “ la dernière bande „, Beckett s’est lancé dans l’écriture d’une pièce radiophonique en anglais qu’il destine à Donald Mc Whinnie, metteur en scène mais qu’il a laissée de côté : “ Cendres „, qu’il retravaille par la suite, sera adressée en 1959 à la BBC. Cette pièce sera sélectionnée par le jury de la RAI pour le prix Italia. Le succès de Cendres conduira la BBC et la radio française à lui passer deux nouvelles commandes radiophoniques : ce sera Paroles et musique (musique de John Beckett) et Cascando, sur une musique de Mihalovici (diffusé en France en 1963).

Osoby a obsazení: Staněk (Guy Trejean), Vaněk (Pierre Constant).

Natočeno 1980. Premiéra 12. 10. 1980 (64 min.). Obnovená premiéra 25. 12. 2011 (RF France Culture – Hommage à Vaclav Havel 1.).

Pozn.: France Culture a souhaité rendre hommage à Vaclav Havel, en rappelant sa dimension d’écrivain et d’auteur dramatique. Dans cet esprit, nous rediffusons une de ses pièces les plus célèbres, aujourd’hui publiée chez Gallimard, « la pétition ». Cette pièce a été enregistrée et diffusée en 1980, dans une réalisation de Jean Pierre Colas, grand réalisateur, lui aussi disparu.

En 1980, au moment de la diffusion de cette pièce sur France Culture, Vaclav Havel, qui était un des trois auteurs de la charte 77, était en prison, condamné à 6 ans de réclusion.

Après avoir beaucoup lu, en particulier Ionesco et surtout Beckett, Vaclav Havel a écrit sa première pièce en 1963, pour le théâtre de la balustrade.
En 1975, il écrit « Audience » et « Vernissage », deux pièces qui à l’époque n’ont été ni jouées ni imprimées en Tchécoslovaquie. En 1978, il écrit « La pétition ». Cette pièce s’apparente à « Audience » et à « Vernissage ».
Dans « Audience », l’auteur est aux prises avec le système policier chargé de l’espionner. Dans « Vernissage » on le retrouve parmi des intellectuels, d’anciens amis, adaptés au système par opportunisme, mais étouffant dans cette solitude d’adaptés. Avec « La pétition », Havel dessine, après 10 ans de normalisation (1968 – 1978), le portrait de l’intellectuel, mal dans sa peau « collaborateur objectif d’ une pseudo culture officielle qu’il méprise » et qu’il sert parce qu’il faut bien vivre. Le sentiment de sa propre dignité dans un univers de mensonge et de soumissions est un privilège très couteux, un luxe, finalement réservé aux dissidents, ces Don Quichotte de la morale et du civisme.

En deuxième partie de cette soirée, et en hommage à Vaclav Havel, nous rediffuserons une pièce de Samuel Beckett, « Cendres ». En effet, Vaclav Havel admirait profondément Beckett qu’il plaçait au-dessus de tout. Et Samuel Beckett écrira l’un de ses « dramaticules » intitulé « Catastrophe » pour Vaclav Havel, à l’époque où celui-ci était en prison.

Nastudovalo BBC v roce 1967. Premiéra 11. 11. 1967 (BBC).

Osoby a obsazení: Jean (Jeroen Krabbé), François (Harry Bronk), otec (Wam Heskes), Lilia (Edda Barends), Marina (Corry van der Linden), hlasatel (Frits Thors).

Natočeno 1966. Premiéra (?) 8. 11. 1968 (NCRV, 70 min.).

Pozn.: Tato hra získala v roce 1966 Prix Italia.

Pozn. 2: Het werd in 1967 onder de titel Die Ansicht von Delft door de Westdeutscher Rundfunk en op 11 november 1967 als The View of Delft door de BBC uitgezonden. Frits Enk vertaalde het en de NCRV zond het uit op vrijdag 8 november 1968. De regisseur was Johan Wolder. De uitzending duurde 70 minuten.

Jean en Lilia bezoeken met elkaar verschillende windstreken van Europa. Waar zij ook vertoeven, hun kuise relatie blijft als het ware gevangen onder het koele heldere noorderlicht dat op de schilderijen van Vermeer van Delft valt door de vensters van stille interieurs. Beiden hebben zij een voorkeur voor deze schilder. Ze pelgrimeren naar het Mauritshuis, dwalen langs de Delftse grachten, zelfs in Italië spelen Vermeers kleurenharmonieën nog door hun verbeelding: „…een tuin vol olijfbomen, waarvan de toppen in het daglicht al zilverachtig glinsterden. Ver in het morgenrood straalde Florence.“ In een fel contrast met dit rimpelloze geluk staat de wereldtragedie die – het hoorspel speelt tussen de jaren 1938 en ‘45 – zich voltrekt. Jean en Lilia worden eigenlijk maar weinig beroerd door de gebeurtenissen. Deze onbewogenheid is niet alleen een karaktertrek van Lilia; Jean aardt naar zijn vader die teruggetrokken leeft op een verwilderd landgoed. Levend in een droom voelen Jean en Lilia zich thuis in de wijde pracht van Vermeers „Gezicht op Delft“…

Nastudoval WDR v roce 1967 (mono). Slovenská inscenace

Pozn.: Es ist die Geschichte einer verlorenen Liebe, ein Spiel um Erinnerungen, Heimweh nach der Vergangenheit, und eine Vielfalt von Empfindungan, die sich an Vermeers Bild „Ansicht von Delft“ entzünden. Jean und Lilia betrachten eines Tages im Museum von Den Haag das berühmte Gemälde. Kindheitserinnerungen tauchen auf und wecken in Jean neuartige Empfindungen, die ihm selbst erst später bewußt werden. Das Museum wird zum Symbol, „denn“, so sagt der Autor, „in den Museen verwahren wir die Schätze, um der Zeit Schach zu bieten – wie im Gedächtnis unsere Bildmagazine“. Schach der Zeit – das ist hier ein Augenblick des Glücks, dargeboten durch ein Gemälde, das selbst wesentlich Abbild eines Augenblicks ist. (anotace)

Čte Jacques Gamblin.

Natočeno 2006. Vydal Gallimard v roce 2006 (2 CD; ISBN 978-2-07-077458-6; EAN 9782070774586, celkem 90 min.).

Pozn.: Né lors d’une traversée, Novecento, à trente ans, n’a jamais mis le pied à terre.
Naviguant sans répit sur l’Atlantique, il passe sa vie les mains posées sur les quatre-vingt-huit touches noires et blanches (l’un piano, à composer une musique étrange et magnifique, qui n’appartient qu’à lui: la musique de l’Océan dont l’écho se répand dans tous les ports. Sous la forme d’un monologue poétique, Baricco allie l’enchantement de la fable aux métaphores vertigineuses. (anotace)

Osoby a obsazení: Rosemonde, královna a carova matka (Martine Chevallier), Matka Ubu (Anne Kessler), spiklenec, M. Königsberg, druhý šlechtic, soudce, Stanislas Leczinsky, poradce, Rensky a kapitán lodi (Christian Blanc), Václav, pátý šlechtic, soudce, první finančík a bojar (Alain Lenglet), Alfréd Jarry, baterie (Christian Gonon), otec Ubu (Serge Bagdassarian), spiklenec, předek (Nicolas Lormeau), spiklenec, předek, p. Fjodorovič, carův rolník (Grégory Gadebois), spiklenec, spiklenec, rolník z Cotice (Pierre Louis-Calixte), Bougrelas (Clément Hervieu-Léger), Ladislav, lid gironský (Stéphane Varupenne), Boleslav, čtvrtý šlechtic, soudce, třetí finančník a generál Lacsy (Adrien G.-Gontard), kapitán Bordure, třetí šlechtic, soudce, druhý finančník a medvěd (Gilles David), spiklenec, předek, první šlechtic, rolník, bojar, voják a Jean Sobiesky (Imer Kutllovci).

Připravilo a natočilo RF France Culture et la Comédie Française. Premiéra 1. 1. 2012 (Radio France, France Culture, 118 min.).

Pozn.: « De par ma chandelle verte, merdre, madame, certes oui, je suis content » – » lance le père Ubu, nouveau Macbeth de pacotille, à sa femme qui préférerait plutôt le voir déjà sur le trône. Elle l’y verra bientôt, après l’avoir incité, avec la complicité du capitaine Bordure, à tuer le roi, contraignant la reine et son fils Bougrelas à l’exil. Ubu va exercer le pouvoir avec la délicatesse d’un char d’assaut : il accapare les impôts, assassine la noblesse, les magistrats et les financiers. Joyeux archétype de la bassesse humaine, Ubu manie redoutablement la machine à décerveler et le croc à merdre ou crochet à noble… Mais, s’il a pensé à éliminer ses adversaires pour régner sans partage sur cette improbable Pologne, « c’est-à-dire nulle part », comme dit Alfred Jarry, Ubu a négligé de respecter de ses promesses. Sa seule solution est donc la fuite en avant : ce froussard déclenche une guerre, attaque le « Czar » et la Russie ! Sortant sain et sauf d’une bataille aussi rocambolesque que le reste de l’histoire, il finit par décider de venir vivre en France, le pays qui finalement lui convient le mieux… Et le voilà à la Comédie Française, où d’ailleurs il « fait son entrée au Répertoire » !….

La mise en scène de Jean-Pierre Vincent prenait pour point de départ l’allocution prononcée par Alfred Jarry. L’absence de situation théâtrale collective à la radio a poussé Michel Sidoroff à rechercher la provocation, en ce qu’elle a de violemment et légitimement antibourgeoise, antireligieuse et antimilitariste, dans le texte même, dans sa langue extraordinairement torsadée, incongrue, merveilleuse aussi. D’où un travail sur le refus de la banalisation, du quotidien : passé au-delà du symbolisme par son invention théâtrale, Jarry n’en est pas moins un poète du mouvement symboliste. Le contexte militaire voulu de pantomime par Jarry devait trouver son équivalent sonore dans les ambiances enregistrées par le réalisateur lors du défilé du 14 juillet, avec leur délicieux répondant dans les commentaires des journalistes TV au garde-à-vous, le doigt sur la couture de l’uniforme. Le procédé marionnettiste de la trappe pour les aristocrates, ministres et financiers (on se prend à rêver…) devait trouver un équivalent sonore dans un bruitage énorme de machinerie saisissant les coupables et les jetant dans un cul de basse-fosse résonant de leurs cris. Le bruiteur et les comédiens s’employèrent à synchroniser ce ballet macabre et drôle, en fonction du rythme imposé par la réalisation : plus que grotesque, la pièce doit toujours conserver une allure de music-hall énorme pour marionnettes.
Ubu ayant envahi la vie même d’Alfred Jarry, sa première pièce se prête particulièrement bien à l’intertextualité. Jean-Pierre Vincent, tout en citant le passage des Gestes et Opinions du Docteur Faustroll, consacré à la laideur physique et morale du cheval, avait montré une tête énorme de cheval pour la monture d’Ubu. Vision de cauchemar, avec toutes les allusions humoristiques au fameux « nightmare » de Füesli (« jument des nuits et cauchemar). La réalisation de Michel Sidoroff, tout en plaçant ce texte à l’endroit où Ubu réclame son cheval (allusion à Richard III dans ce Mac-Beth parodié), s’est attaché à disproportionner ce cheval pour l’auditeur. C’est là un des nombreux tours de magie sonore que l’ingénieur du son, Jehan Richard-Dufour, a su déployer dans ce music-hall de l’énormité où nous nous sommes bien méchamment réjouis.

Osoby a obsazení: Lorenzaccio (Thibault Vinçon), vévoda Alexandr (Guillaume Durieux), Philippe Strozzi (Gérard Desarthe), kardinál de Cibo (Dominique Guihard), Catherine Ginori (Marie Cariès), Marie Soderini (Maud Rayer), markýza de Cibo (Isabelle Gardien), markýz de Cibo (Bernard Lanneau), Pierre Strozzi (Benoît Marchand), Léon Strozzi (Vincent de Bouard), Thomas Strozzi (Olivier Chauvel), Louise Strozzi (Audrey Meulle), kardinál Baccio Valori (Bruno La Brasca), Sire Maurice (Igor de Savitch), Bindo Altoviti (Jean-Marie Galey), Palla Ruccellai (Michel Sidoroff), Maffio (Jean-Christophe Parquier), klenotník (René Renot), obchodník (Pierre-Yves Desmonceaux), Tebaldeo (Clément Hervieu-Léger), Julien Salviati (David Geselson), Maďar Giomo (Jean-Luc Debattice), Côme Medicejský (Martin Amic), Scoronconcolo (Laurent Orry), buržujové a gentlemani (Emmanuelle Lemire, Roch Leibovici, Lionel Robert, Gaël Delamorinière, Miguel Peraudeau, Jérôme Chappatte, Enrico di Giovanni, Laurent Lederer et Benjamin Lavernhe), vyhnanci (Pierre Forest, Bruno Allain, Sofian Khammes, Barthélémy Meridjen), dvorní dámy (Nathalie Baunaure, Annabelle Hettmann, Pauline Koehl, Myren Astrée). Dále účinkují Michel Derville, Eric Hémon, Olivier Guilbert, Henry-David Cohen, Jackie Berger, Natacha Gérritsen, Charles Templon, Franck Kronovsek, Alain Félicie, Gaël Zaks, Sacha Petronijevic, Daniel Krellenstein, Jean-Gilles Barbier, Thomas Rivière, Yordan Goldwaser, François Deblock a Marc Léonian.

Připravilo a natočilo France Culture RF a Théâtre La Comédie-Française. Premiéra 30. 10. 2011 (Radio France, France Culture, 120 min.) v prvním pořadu „Cycle Alfred de Musset“ v řadě Le théâtre dans un fauteuil (Divadlo v křesle).

Pozn.:  « …dans deux jours les hommes comparaîtront devant le tribunal de ma volonté. » –  Ainsi s’achève, à deux répliques près, la très longue et très riche scène 3 de l’acte III de Lorenzaccio. Centre de gravité de la pièce, cette magnifique confrontation entre Philippe Strozzi, seigneur républicain de Florence, et Lorenzo de Médicis, ennemi de sa propre famille, et en particulier d’Alexandre, représentant cruel et débauché du Saint Empire romain germanique. Dans ce dialogue en pleine rue, qui suit l’arrestation de Pierre et de Thomas, fils de Philippe Strozzi, et qui précède l’assassinat de Louise Strozzi, Musset revient sur l’origine du projet d’assassinat politique de Lorenzo et donne à voir la détermination, l’extraordinaire volonté de Lorenzo. Musset met enfin à nu la vérité de son personnage, qui s’est identifié à son patriotisme au point d’avoir juré, vingt ans auparavant, de « tuer l’un des tyrans de sa patrie ». Dressant l’amer bilan d’une vie perdue dans la débauche et le mensonge dans le seul but de gagner la confiance d’Alexandre, Lorenzo est désormais convaincu que son geste n’entraînera pas de soulèvement du côté des familles républicaines, pourtant lourdement réprimées par les Médicis. Il est aussi convaincu d’être désormais incapable d’abandonner les plaisirs épicés auxquels il a trop souvent goûté . Il apparaît ainsi dans sa solitude volontaire et désespérée, dans une vérité dramatique propre à hanter les rêves de tout jeune homme un tant soit peu révolté. L’acte de Lorenzo, bien au-delà d’un contenu « existentiel », est l’aune à laquelle se mesurera la valeur de ses contemporains. Et Musset opposera le courage de la jeunesse à l’impuissance bavarde des notables républicains.
Dans un double mouvement dont seule la construction dramatique peut rassembler les aspects contradictoires, Musset, si proche des étudiants de sa pièce, règle ses comptes avec la bourgeoisie de 1830, révolutionnaire en paroles mais vite soumise à Louis-Philippe, et invente ce personnage de solitaire incompris, décalé, mélange de libertin et de héros romantique qu’il développera dans la « Confession d’un enfant du siècle ». Il y a donc au départ et à l’arrivée une exigence de vérité qui mêle dans un mouvement impétueux vérité politique et confession, qui est un désir de dépassement de soi chez Musset. L’action devait en être nécessairement longue et complexe, révélant tour à tour les aspects les plus contrastés de la société florentine revue par Musset ainsi que les ascensions et les descentes de l’âme tourmentée de Lorenzo. Ainsi le spectateur est-il rapidement transporté à travers les espaces les plus variés, sans souci du « coût de production ». Mais aussi dans une temporalité transformée, concentrée : George Sand, qui fournit — sublime cadeau – l’argument de la pièce à Musset, avait déjà ramené à quelques jours une action s’étalant sur quinze ans dans les « Chroniques » de Varchi…
Jamais la pièce ne fut représentée dans son intégralité, et l’on se demande si les décideurs sont par là restés fidèles au principe du « spectacle dans un fauteuil » (Musset ne croyait pas à une possible représentation de Lorenzaccio) ou s’ils ont suivi le geste castrateur des directeurs de théâtres obligeant Musset à défigurer nombre de ses pièces… Assez curieusement, ce sont les scènes politiques (complot de la marquise de Cibo, manifestation des étudiants, discussions entre notables impuissants après l’assassinat du Duc) qui eurent à souffrir des coupes pratiquées dans une pièce souvent jugée bavarde, mais à tort selon nous, par le milieu théâtral.
L’adaptation de Gérald Garutti, si elle se plie au format, actuellement le moins étroit, des deux heures de diffusion, réussit le tour de force de ne couper pratiquement aucune scène de la pièce et d’en préserver ainsi les multiples facettes, charme essentiel de Lorenzaccio. Elle souligne la construction vigoureuse de ce théâtre politique intime qui nous a tous deux si violemment émus.
Au moment où d’autres empires, plus ou moins saints, étendent leurs ravages en Europe, il m’a paru opportun d’éclairer par le son une pièce qui va bien au-delà des mots : comme le souligne Bernard Masson dans ses analyses du théâtre de Musset, tout se passe avant et après les paroles échangées, dans une attente fiévreuse des choses, de l’événement. Mes choix d’interprétation furent guidés par cette conviction. L’assassinat d’Alexandre, si rapide dans le texte de Musset, nécessitait une concrétisation sonore intense dans le jeu des interprètes et le bruitage, un mélange repoussant de précision physiologique et d’émotion qui suspende le mouvement du temps et s’approche de la poésie de l’instant, vérité essentielle du poète que fut Musset. Une dilatation de la pensée qui ouvre enfin sur une dilatation de l’espace, lorsque Lorenzo s’abandonne, son acte enfin commis, à la contemplation des toits de Florence. Mais la préparation de l’assassinat, vers lequel tous les interprètes et l’équipe furent tendus, et ses conséquences tragiques pour la jeunesse révoltée de Florence et Lorenzo lui-même, cette vaste respiration de la pièce de Musset, tous ces mouvements ne pouvaient pour moi s’incarner que dans un cinéma pour l’oreille où bruitages, ambiances et musique tantôt s’intègrent au texte, tantôt l’absorbent. Musset était hanté par Hamlet. Hanté par la musique que Chostakovitch composa pour le Hamlet de Kozintsev, je l’ai détournée , en hommage à ce cinéaste, et pour souligner le lien – et non l’identité – qu’il y avait pour Musset entre les deux personnages.
Gérard Desarthe, qui fut Hamlet au théâtre, mais aussi un très jeune Lorenzaccio, interprète à présent Philippe Strozzi. Thibault Vinçon, Lorenzo, est familier du personnage. Il en incarne la force de décision et la fragilité feinte. Quant à Guillaume Durieux, il restitue l’énergie animale du Duc et sa puissance de séduction. Tous les rôles, fort nombreux et parfois si météoriques, ont su déclencher la passion chez leurs interprètes.
Puisse le règlement de compte de Musset avec les bourgeois de 1830 résonner avec les inquiétudes et la révolte de ceux qui espèrent aujourd’hui être menés à la victoire contre forces de l’oppression. Puisse Lorenzaccio redonner le goût d’un théâtre hors normes à une époque trop formatée.
(anotace)

Osoby a obsazení: Julie (Coraly Zahonero), Mariani, hudebník (Laurent Natrella), abbé Fiorasanta (Pierre Louis-Calixte), hrabě (Appiani (Félicien Juttner).

Připravilo a natočilo France Culture RF a Théâtre La Comédie-Française. Premiéra 6. 11. 2011 (Radio France, France Culture ve druhém pořadu „Cycle Alfred de Musset“ v řadě Le théâtre dans un fauteuil (Divadlo v křesle; 24 min.) společně s hrou Le Chandelier (Španělská stěna).

Pozn.: Deux grandes pièces de Musset pour un cycle à la radio : une façon de mener jusqu’au bout l’expression de Musset, qui, devant l’impossibilité de monter ses pièces, les écrivait en pensant à un «spectacle dans un fauteuil».

Osoby a obsazení: Jacqueline (Isabelle Gardien), mistr André (Bruno Raffaelli), zahradník (Christian Gonon), Clavaroche (Nicolas Lormeau), Fortunio (Clément Hervier-Léger), Guilaume (Stéphane Varupenne), sluha (Suliane Brahim), Landry (Jérémy Lopez).

Připravilo a natočilo France Culture RF a Théâtre La Comédie-Française. Premiéra 6. 11. 2011 (Radio France, France Culture ve druhém pořadu „Cycle Alfred de Musset“ v řadě Le théâtre dans un fauteuil (Divadlo v křesle; 92 min.) společně s proverbem Faire sans dire (Neříkejte).

Pozn.: Deux grandes pièces de Musset pour un cycle à la radio : une façon de mener jusqu’au bout l’expression de Musset, qui, devant l’impossibilité de monter ses pièces, les écrivait en pensant à un «spectacle dans un fauteuil».

Osoby a obsazení: Argan (Alain Pralon), Toinette (Catherine Hiegel), Béline (Catherine Sauval), Monsieur Diafoirus (Bruno Raffaelli),  Monsieur Purgon (Christian Blanc), Béralde (Alain Lenglet), Thomas Diafoirus (Alexandre Pavloff), Monsieur  Bonnefoy (Jérôme Pouly), Monsieur Fleurant (Christian Gonon), Angélique (Julie Sicard), Cléante (Loïc Corbery),  Louison (Alma de Montplaisir).

Natočeno 20. 1. 2008 (Radio France – France Culture, 120 min.).

Pozn.: Inscenace Claude Stratze se hrála v  Comédie Française od prosince 2006 do prosince 2007.
En hommage au metteur en scène et Directeur du Conservatoire National Dramatique de Paris -disparu en avril 2007- France Culture a enregistré la pièce, en studio.   

Argan, mari tyrannisé, père abusif, se livre aveuglément aux médecins qui l’entretiennent dans un état maladif, entre fantasmes et névrose. Rendu à l’état végétatif, il ne voit d’espoir, pour sauvegarder sa santé, qu’en l’union de sa fille Angélique avec un homme de médecine. Son choix s’est porté sur Thomas Diafoirus, neveu dégénéré d’un charlatan. Angélique, éprise de Cléante qui lui fait la cour travesti en maître de musique, refuse cette union que sa marâtre Béline encourage avec hypocrisie. Bousculé par Toinette, sa servante, ébranlé par une dispute avec son apothicaire dont il refuse un lavement, sermonné par son frère Béralde, Argan accepte de feindre le mort pour éprouver l’affection des siens. La fidélité de sa fille et la duplicité criminelle de sa femme éclatent enfin à ses yeux. Chassant de chez lui les faussaires de l’amour comme ceux de la science, il entreprend de se faire médecin lui-même pour mieux se soigner.

Quand Molière écrit Le Malade imaginaire, il se sait gravement malade. Sa dernière pièce est une comédie, mais chaque acte se termine par une évocation de la mort. On ne peut s’empêcher de voir derrière le personnage d’Argan l’auteur mourant, qui joue avec la souffrance et la mort. Le même thème, tragique dans la vie, devient comique sur la scène, et c’est avec son propre malheur que l’auteur choisit de nous faire rire. Dans un siècle où les écrivains ne parlent pas d’eux-mêmes, Molière nous fait une confidence personnelle : il est si affaibli, nous dit Béralde, « qu’il n’a justement de la force que pour porter son mal.» Le vrai malade joue au faux malade. Toute la pièce tourne autour de l’opposition du vrai et du faux : vrai ou faux maître de musique, vrai ou faux médecin, vraie ou fausse maladie, vraie ou fausse mort. Cette dialectique culmine au dernier acte quand, dans une parodie de diagnostic (où le poumon est la cause de tous les maux d’Argan), Molière fait dire à Toinette, déguisée en médecin, la vérité de son mal : à la quatrième représentation, Molière crache du sang et meurt quelques heures plus tard – du poumon, justement. C’est l’imposture au second degré, l’imposture (de Toinette) pour dénoncer l’imposture (des médecins), qui finalement dit la vérité. C’est du mensonge que surgit la vérité. C’est le mensonge d’Argan (quand il joue au mort) qui révèle la trahison de Béline. C’est en « changeant de batterie », en feignant d’entrer dans les sentiments d’Argan et de Béline, que Toinette aidera Angélique. C’est comme faux maître de musique que Cléante peut s’introduire dans la maison. C’est qu’il faut être hypocrite pour dénoncer les impostures et les mensonges. Mais, plus profondément encore, Molière joue avec la maladie et la mort pour tenter peut-être de les conjurer. Tout est objet de parodie dans cette pièce. Les choses les plus graves y sont tournées en dérision. C’est son côté carnavalesque. À la fin du troisième acte, pour justifier l’ultime parodie, celle de l’intronisation d’Argan en médecin, Béralde nous avertit que « le Carnaval autorise cela ». En organisant ce dernier divertissement, véritable fête des fous, Béralde fait littéralement entrer le Carnaval dans cette maison bourgeoise. La pièce a été créée en février 1673, pendant le Carnaval justement. Le Malade imaginaire a suscité les interprétations les plus contradictoires : on a joué Argan malade, on l’a joué resplendissant de santé ; on l’a joué tyrannique, on l’a joué victime ; on l’a joué comique, on l’a joué dramatique. C’est que tout cela y est, non pas simultanément mais successivement. Molière propose une formidable partition, toute en ruptures, toute en contradictions où le comique et le tragique sont étroitement imbriqués l’un dans l’autre, où ils sont l’envers l’un de l’autre. Derrière la grande comédie qui a intégré certains schémas de la farce, on découvre l’inquiétude, l’égoïsme, la méchanceté, la cruauté. Comédie paradoxale ? Dans cette pièce rien n’est tout à fait dans l’ordre des choses. L’unité de temps, par exemple, y est respectée et pourtant discrètement subvertie : le premier acte commence en fin d’après-midi et se termine à la nuit tombante, les deux actes suivants se déroulant le matin et l’après-midi du lendemain. La dernière pièce de Molière commence donc dans les teintes d’une journée finissante. C’est une comédie crépusculaire, teintée d’amertume et de mélancolie.

Osoby a obsazení: Elvíra (Muriel Ines Amat*), Don Alonso (Christophe Bouisse), Don Carlos (Fred Cacheux*), Charlotte (Jeanne Cohendy), Monsieur Dimanche (Hugues de la Salle), Perrot (Antoine Hamel*), Sganarelle (Ivan Hérissson*), Don Juan (Mexianu Medenou), Gusman, socha (Cécile Péricone*), Don Luis (André Pomarat), Mathurine (Hélène Schwaller).  Dále účinkují   Amélie Enon a Julien Geffroy. (* členové TNS)

Natočilo Radio France 8. 3. 2011 se členy Théâtre National de Strasbourg a studenty skupiny 39  TNS.  Premiéra 11. 12. 2011 (Radio France – France Culture; 5+102 min., celkem 107 min.).

Pozn.: Molière écrit cette pièce alors que sa précédente, Tartuffe, vient d’être interdite. Aussi, Dom Juan n’est pas un simple séducteur, un homme volage qui accumule les conquêtes amoureuses. Il revendique son anticonformisme, s’érige contre toute idée de censure, refuse de se laisser emprisonner dans des valeurs morales et religieuses auxquelles il oppose sa propre philosophie : celle du refus de la soumission aux normes. Homme d’esprit plus que de chair, il vit son absolu besoin de liberté à la fois comme une vision politique et comme un jeu. Penser « autrement » est dangereux, il le sait.

Julie Brochen est comédienne et metteur en scène, Julie Brochen dirige le Théâtre National de Strasbourg et son École supérieure d’art dramatique depuis le 1er juillet 2oo8, après avoir dirigé le Théâtre de l’Aquarium de janvier 2oo2 à juillet 2oo8.

Elle a fondé sa compagnie Les Compagnons de Jeu en 1993 après trois années de formation au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris où elle fut élève de Madeleine Marion, Stuart Seide et Piotr Fomenko. Parallèlement, elle suit, de 1990 à 1994, le cours de maîtrise du Théâtre de Moscou sur le théâtre de Tchekhov dirigé par Anastasia Vertinskaia et Alexandre Kaliaguine au Théâtre des Amandiers de Nanterre.

Čte Gillian Andersonová.

Natočeno 1996. Vydal Harper Collins Audio Books v roce 1996 (2 MC, celkem 3 hod.).

Čte Mitch Pillegi.

Natočeno 1996. Vydal Harper Collins Audio Books v roce 1996 (2 MC, celkem 3 hod.).

Čte Rufus Beck.

Natočeno v roce 2011. Vydalo vydavatelství Random House Audio v roce 2011  (celkem 12:31 hod.).

Pozn.: Dichter Herbstnebel liegt über Ankh-Morpork, und in der Stadt geschehen seltsame Morde. Scheinbar grundlos werden ein Bäcker und ein Priester umgebracht. Auch auf den ansonsten unantastbaren Patrizier wird ein Giftanschlag verübt, den er aber überlebt. Die Verbrechen geben für Sir Samuel Mumm, den Kommandeur der Stadtwache, keinen Sinn. Die Spuren führen zu den Golems, willenlosen Geschöpfen aus Lehm, die immer nur arbeiten und noch nie Ärger machten. Doch jetzt haben sie offenbar damit begonnen, sich selbst aus dem Weg zu räumen…

Terry Pratchett. Audiobook.

Čte Boris Alinovic.

Natočeno 2007. Vydalo vydavatelství Random House Audio v roce 2007 (celkem 6:08 hod.)

Pozn.: Banken hat der ehemalige Gauner Feucht von Lipwig bisher meist durch den verschlossenen Hintereingang betreten. Doch dann erbt er die Mehrheit an der maroden Kreditbank von Ankh-Morpork. Die Sache hat nur ein paar Haken: Der Bankpräsident ist ein Hund, der Hauptkassierer ziemlich sicher ein Vampir und als Feucht die Goldbestände im Keller der Bank sichten will, erwartet ihn eine böse Überraschung…